Las 15 películas más incomprendidas de todos los tiempos

El arte es subjetivo, y que una película sea “genial” o “terrible” depende de los gustos de cada espectador. Asimismo, la intención de los escritores y directores que cuentan estas historias puede ser completamente irrelevante en cuanto a cómo su trabajo afecta al público. Una declaración artística audaz sobre la condición social puede pasar por alto a los espectadores mientras le dan a la historia su propio significado más individualizado. Sin embargo, esto no significa que todas las opiniones sobre el cine sean correctas. De hecho, algunas de las películas más populares y duraderas de todos los tiempos son completamente incomprendidas por el público.

Hay que tener cuidado al hablar del significado de determinadas historias, especialmente cuando las películas en sí son ambiguas. Sin embargo, las personas que sostienen que guerra de las galaxias No debería ser político están malinterpretando seriamente los elementos fundamentales de por qué existen estas historias. Algunas películas son consideradas superficiales y carentes de significado, cuando en realidad la crítica o el público no entienden la intención de la pieza. Conceptos erróneos como estos relegan algunas películas verdaderamente geniales al basurero de la cultura pop, todo porque fueron mal entendidas en el momento de su estreno. El público verá películas clásicas durante generaciones, perdiéndose la profundidad y los matices de la historia, si tan sólo estuvieran dispuestos a buscarlos.

Actualizado el 28 de octubre de 2024 por Joshua M. Patton: Lo mejor del arte, especialmente del cine, es cuánto del “trabajo” lo realiza el público. Una película llega a ser amada y apreciada por razones distintas a las previstas, como la infame película de Tommy Wiseau. La habitación. Aún así, a veces el mensaje de una película se pierde en la interpretación del espectador, especialmente cuando el cineasta se esfuerza por lograr la sutileza y la ambigüedad. Este artículo se ha actualizado para agregar más películas incomprendidas y para cumplir con los estándares de formato CBR actuales.

15 Gordon Gekko hizo que todos pensaran que ‘la codicia es buena’

Wall Street debería ser una advertencia sobre el capitalismo rapaz

De Glengarry Glen Ross a Sala de calderas Otra película incomprendida de esta lista es Oliver Stone, que accidentalmente creó todo un género con su película de 1987. mundo financiero. En él, Michael Douglas interpreta al despiadado empresario Gordon Gekko y Charlie Sheen interpreta a su entusiasta protegido, que asume la responsabilidad de su comportamiento criminal. Douglas ganó un Oscar por su papel. Aunque la película pretendía ser una llamada de atención y una advertencia sobre cuán fuera de control se estaba volviendo el negocio de las inversiones, tuvo el efecto contrario.

Gekko se inspiró en varias personas reales de Wall Street en ese momento y en otras figuras públicas, incluido un eventual presidente. Sin embargo, Stone, Douglas y Weiser han dicho a menudo, con cansancio, que la gente suele acercarse a ellos y decirles que se metieron en el negocio. después viendo esta película. En lugar de aprender la lección que los realizadores querían enseñar, simplemente se inspiraron en Gordon Gekko, no en Bud Fox, el idiota al que atrapan y van a la cárcel.

14 El Resplandor fue la obra maestra de Kubrick, pero Stephen King la odiaba

La película siempre estuvo destinada a ser más grande que el libro.

El gran director Stanely Kubrick hizo el resplandory Stephen King lo odiaba. Siendo quizás una de las películas más analizadas de todos los tiempos, este dato sobre el resplandor es uno con el que la mayoría de la gente está familiarizada, especialmente porque King nunca ha tenido reparos en compartir su disgusto por la película. Sin embargo, va más allá de que King simplemente piense que Kubrick se tomó demasiadas libertades con su libro. el resplandor La novela fue profundamente personal para King, cuya lucha contra el alcohol sirvió de inspiración para su aterradora historia. Para él, la historia trata sobre cómo Jack Torrance se destruye a sí mismo y a su familia encerrándolos en un lugar maldito para sufrir con él.

Sin embargo, Kubrick quería hacer una película sobre cosas más importantes que eso. Desde la elección de colores y la escenografía hasta misterios más grandes y deliberados como la Habitación 237, el resplandor pretende ser confuso. Jack comienza como un hombre de familia y escritor, que se convierte en un asesino que no puede usar el lenguaje, solo ruge y gruñe hasta morir congelado. El libro y la película son igualmente inquietantes y aterradores, sólo que por diferentes razones. Se suponía que lo que realmente estaba sucediendo en el Hotel Overlook era un misterio para que la audiencia reflexionara según Kubrick, mientras que el autor original King creía que debería tratarse de algo muy específico.

13 La película Watchmen no puede ocultar que los superhéroes dan miedo

La dirección de Zack Snyder ocultó el mensaje deconstruccionista de Alan Moore

Aunque ha dirigido más películas de superhéroes de las que le corresponde, Zack Snyder ha disfrutado adaptando Vigilantes el mejor. Sin embargo, independientemente de su intención, la película en sí no se alinea con el mensaje que Alan Moore y Dave Gibbons querían transmitir. En la adaptación de 2009, posiblemente adelantada a su tiempo en la evolución de las películas de superhéroes, los personajes lucen geniales. Rorschach es un tipo violento y rudo que castiga a los criminales sinvergüenzas que lo merecen, al igual que el resto de sus amigos. Aunque las acciones de los personajes fueron impactantes y fueron en contra de las expectativas de la gente sobre los héroes de cómic disfrazados, Vigilantes encaja perfectamente en la sensibilidad sangrienta y «clasificada R» del género de películas de acción.

Irónicamente, una de las decisiones más criticadas tomadas por Snyder y compañía en realidad ayuda a cumplir la intención original de la película y del cómic: los superhéroes son una mala idea. Hay muchas razones por las que la película no logró adaptar la Vigilantes final de los cómics, que era muy similar a un episodio de Límites externos. Para simplificar las cosas, los realizadores cambiaron el falso calamar extradimensional por un ataque a Nueva York que pondría al mundo en contra del Doctor Manhattan. Al convertir al único superhéroe real en una amenaza que une al mundo, la película sugiere inadvertidamente que el mundo está mejor sin sus “héroes”.

12 El conflicto en Matrix es muy comprensible y algunos fans no lo entienden

El lenguaje de la película fue cooptado por interpretaciones de mala fe.

Después de 25 años, 1999 La matriz Regresó a los cines y la película no ha perdido su ritmo con el tiempo. Las imágenes siguen siendo impresionantes, aunque están algo anticuadas, y los efectos visuales innovadores se han reutilizado y mejorado. Lo que hace que la película funcione tan bien es la simplicidad de su mensaje. Neo está atrapado en una vida en la que carece de control y significado. Mientras busca revolucionarios, descubre la verdad sobre Matrix y la forma en que se miente a la humanidad. Desde entonces, la idea de “tomar la pastilla roja” ha sido adoptada por intérpretes de mala fe tanto de la verdad literal como de lo que dice la película sobre la identidad.

Lana y Lily Wachowski escribieron y dirigieron la película antes de que ambas hicieran la transición. Aunque los temas de la película generalmente se aplican a las experiencias individuales de la audiencia, La matriz Es claramente una alegoría trans. Las máquinas crean deliberadamente una sociedad falsa llena de lucha y dolor para mantener pasiva a la humanidad. Determinan las verdaderas identidades de las personas, razón por la cual Morfeo, Trinidad y Neo son tan peligrosos. Aprenden a idealizarse ellos mismos dentro de los confines de este sistema, lo que les otorga poder sobre las fuerzas que exigen el mantenimiento del status quo.

11 El Padrino generó todo un género de películas de mafias, pero ese no era el punto

A Vito Corleone le fallaron Estados Unidos y sus hijos

Hubo películas de gánsteres antes. el padrinopero la película de Mario Puzo y Francis Ford Coppola cambió la forma en que Hollywood y el público los veía. Fue uno de los mayores éxitos de taquilla del mundo y sigue siendo una película amada casi universalmente. Aunque la película definió cómo los espectadores estadounidenses ven a la mafia, ese no era el objetivo de la película. A través del personaje de Vito Corleone, Coppola esperaba mostrar cómo las instituciones estadounidenses fallaron a ciertas comunidades, creando un vacío que permitió que la mafia creciera. Pero en lugar de glorificar a este grupo como hombres de honor y ambición, son tontos atrapados en un ciclo de violencia que les ayuda a reprimirse.

Fue una batalla hacer la película, tanto con el estudio como con el público de la vida real, como se detalla en la serie. la oferta. Sin embargo, a pesar de que su empresa es tan importante para la familia Corleone, Vito pasa la mayor parte del tiempo en la película tratando de salir del crimen organizado. Quería que sus hijos sólo se dedicaran a negocios legítimos, y su hijo Michael, un héroe de guerra, nunca debería acercarse a eso. Sin embargo, una vez que le disparan a Vito, sus hijos se ven aún más involucrados, empeorando sus vidas. Sonny muere. Fredo es un fracaso. Constanzia está atrapada en un matrimonio infeliz con un marido abusivo. Y Michael no sólo está contaminado por la corrupción del negocio de Vito, sino que toma el control de él.

10 En busca del arca perdida y la calumnia de Indiana Jones

La gente piensa que Indiana Jones no afectó la trama, pero eso es incorrecto

Cuando una película está tan perfectamente arraigada en la cultura pop como En busca del arca perdidaSin duda generará discusión. Una mala teoría de La teoría del Big Bang sugirió que Indiana Jones no tuvo ningún efecto en la trama de la película. Cuando los nazis finalmente toman el Arca de la Alianza, la abren y mueren a causa de lo que sale, el público malinterpreta lo que en la película convierte a Indy en un héroe. La película subvierte el tipo de historia que inspiró la creación de Indiana Jones, el aventurero de capa y espada que siempre sale victorioso. Indy pierde la cabeza constantemente, falla muchas veces, pero sigue adelante con puro coraje y determinación.

La razón por la que esta teoría es incorrecta es porque Indiana Jones afecta la trama desde la primera parada de su búsqueda.. Salva a Marion Ravenwood de Toht y sus secuaces, que también es el punto principal de la película. Dejando de lado la preocupante diferencia de edad entre Indy y Marion, él es el héroe de la película porque rápidamente deja de preocuparse por el Arca y simplemente de proteger a la mujer que ama. De hecho, aunque termina con el Arca, el final resalta cuán inútil fue el descubrimiento de este importante objeto histórico (y religioso). En lugar de ser registrada por “grandes hombres”, el Arca está sellada y escondida del mundo.

9 Es una vida maravillosa, no tan agradable como piensa el público

Esta fantasía navideña fue una película anticapitalista sigilosa

La película navideña de Frank Capra de 1946 fue un fracaso de taquilla tras su estreno, pero es una vida maravillosa es la película por la que probablemente se le recuerde mejor. Es amada en gran medida porque es un elemento básico de las fiestas y porque se considera una de las primeras películas del género de ciencia ficción y fantasía. Sin embargo, según el FBI en la década de 1940, la película era «malvada» debido a la forma en que retrataba a Henry Potter de Lionel Barrymore en comparación con George Bailey de Jimmy Stewart. Mientras Washington DC se veía arrastrado por el destructivo y tonto «miedo rojo», es una vida maravillosa se consideraba peligroso por su moralidad centrada en la idea de que las personas debían ayudarse entre sí.

Erudito John A. Noakes Escribieron extensamente sobre el interés del FBI en la película, pero a medida que pasó el tiempo, no tenían por qué preocuparse. El clásico alegre trata realmente sobre cómo Potter y Bailey representan dos filosofías bancarias diferentes. Llamar “comunista” a la película es absurdo, pero pinta un cuadro crudo del capitalismo a toda velocidad posterior a la Segunda Guerra Mundial que impulsó a Estados Unidos en ese momento. Incluso si el público abandona la película comprendiendo la moraleja de que las personas son más importantes que las ganancias, A menudo ignoramos la crítica a las instituciones financieras que sigue siendo tan relevante hoy como lo era hace ocho décadas..

8 Star Wars: The Rise of Skywalker es una secuela confusa pero complementaria

Los fanáticos creen que esto volvió a conectar a los últimos Jedi, pero está profundamente mal entendido

Desde la herencia de Rey como Palpatine hasta la broma irónica de Luke Skywalker sobre tratar «el arma de un Jedi» con «respeto». Star Wars: El ascenso de Skywalker Es una película profundamente incomprendida. Esto es algo que tiene en común con su igualmente incomprendido predecesor, Star Wars: Los últimos Jedi debido a su enfoque guerra de las galaxias legado. En lugar de socavar la película de Rian Johnson, El ascenso de Skywalker intenta construir sobre los cimientos agregando algo a la historia y no quitándolo ni reescribiéndolo. Por ejemplo, la lluvia de Ach-To termina en los guantes de Kylo Ren en El último Jedipresagiando la capacidad de hacer que esta conexión con la Fuerza sea completamente física.

En el centro del malentendido que rodea a ambos El último Jedi y El ascenso de Skywalker Así de confiable es Kylo Ren. Desde decir que la gente debería «matar» el pasado hasta que los padres de Rey la vendieron por «dinero para beber», los fanáticos parecen pensar que el lado oscuro en conflicto hablaba con la voz de los escritores. La última entrada de la saga Skywalker está repleta. Probablemente deberían haber sido (al menos) dos películas en lugar de una. Todavía, la película se basa en las ideas expuestas en El último Jedi incorporando temas más amplios del trabajo de George Lucas guerra de las galaxias películas. De hecho, si el público revisa los créditos, verá que Lucas fue consultor de historia en esa entrada final.

7 El lobo de Wall Street planteó accidentalmente lo que significaba derribar

Jordan Belfort no debería ser tan divertido y genial como parece

Como otras películas del célebre director Martin Scorsese, El lobo de Wall Street puede verse como una glorificación de las mismas personas a las que busca acusar. La película muestra con vívidos detalles cómo la codicia corrompe y cómo conseguir todo lo que uno quiere significa perder todo lo que tiene valor real. Sin embargo, Scorsese tal vez subestimó la facilidad con la que el público estadounidense podía pasar por alto este punto. Porque a diferencia de Travis Bickle, Henry Hill o sus otros personajes criminales violentos, la gente piensa que el estilo de vida y el destino final de Jordan Belfort parecen bastante buenos, considerando todo.

Parte del problema proviene del elenco, específicamente de lo bien que interpretaron sus papeles. El lobo de Wall Street llena su mundo con personajes extraños y coloridos que son divertidos de ver. Del mismo modo, los momentos destinados a resaltar cuán insensibles o patéticos pueden verse socavados por la forma en que los actores humanizan a sus personajes. La película dedica poco o ningún tiempo a los afectados por Belfort y los de su calaña. El público en general comprende cómo las turbas dañan a las personas, pero los delitos financieros y sus consecuencias son menos evidentes de inmediato.. Como Glengarry Glen Ross o Sala de calderaslos codiciosos y corruptos ven El lobo de Wall Street tanto como validación como celebración de las cosas terribles que hacen.

6 Star Trek V: The Final Frontier tiene algo importante que decir sobre Dios

Escondido en la ‘peor’ película hay una fuerte declaración sobre la fe y la hipocresía

Star Trek V: La última frontera Es una película mejor de lo que se le atribuye viaje a las estrellas fanáticos. Plagada de malos efectos visuales, la película intenta contar una historia conceptual sobre Dios, la fe y la hipocresía.. En muchos viaje a las estrellas retrospectivas y su propio «diario de rodaje» publicado, William Shatner quería Viaje a las estrellas V para resaltar la importancia de la amistad de Kirk, Spock y McCoy en una historia que criticaba a los televangelistas populares de la década de 1980, el nuevo medio hermano de Spock, Sybok, en realidad es tratado mucho más amablemente que su inspiración, porque realmente creía que lo era. en una misión de Dios.

A pesar de la complicada batalla final del tercer acto que sigue, la escena en la que el equipo se encuentra con el Dios de Sha Ke Ree es donde el mensaje de la película se vuelve claro. Este ‘Dios’ es en realidad un villano que se preocupa poco por su rebaño y sólo quiere veneración, alabanza y lo que no le pertenece. Esta falsa deidad abusa de la fe que la gente le da para su propio beneficio. Gene Roddenberry (un ateo declarado) quería que su viaje a las estrellas equipo para encontrar a Dios, solo para mostrarle a la audiencia que la humanidad no lo necesitaba. Eso no es lo que La última frontera está a punto de hacerlo. Por el contrario, dice que quienes dicen hablar con la voz de Dios son a menudo estafadores o, en el caso de Sybok, sus víctimas.

5 Mulholland Drive es inescrutable y ese es el punto

La película cumbre de David Lynch, ‘La película como un sueño’, está abierta a interpretación

David Lynch habla a menudo de cómo sus películas (y, Picos gemelosepisodios de televisión) se basan en la idea de la narración visual como un sueño despierto. la película Carretera Mulholland es quizás el ejemplo más literal de esta filosofía, ya que gran parte de ella tiene lugar en lo que se percibe como un mundo de sueños. La última parte de la película se ve como la versión “verdadera” de la realidad, aunque sus imágenes finales son profundamente surrealistas. Por último, Carretera Mulholland también se ve como una crítica a Hollywood y al sistema de estudios, que corrompe lo artístico en busca de ganancias y poder. Sin embargo, no es tan simple.

Los elementos comunes en la obra de Lynch están presentes en Carretera Mulhollanddesde la historia del “detective” hasta la realización del “sueño americano”, esta vez representado por la fama y el éxito financiero. El final de la película muestra la convergencia del mundo onírico y la realidad, que es quizás lo más cercano a lo que Lynch intenta “decir” con la película. Como los propios sueños, la película está abierta a la interpretación, pero también la desafía activamente. La incertidumbre que rodea lo que es real, lo que no lo es y lo que significa no es sólo intencional, puede ser el objetivo de todo el ejercicio artístico..

4 Muerte en Venecia se vio empañada por otra película sobre una relación conflictiva

La controvertida película no trata sobre la lujuria, sino sobre la muerte y la juventud

La película de Luchino Visconti de 1971 (basada en el libro homónimo de Thomas Mann) se considera un clásico del «canon queer» del cine. Si bien esto es indudablemente cierto, muchas audiencias confunden Muerte en Venecia como «gay lolita.» Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) es un compositor moribundo. Tadzio (Björn Andrésen) es un atractivo adolescente en quien Gustav se fija y con el que eventualmente se obsesiona. Aunque la película está llena de subtexto queer, Tadzio no es exactamente un objeto de deseo para Gustav Esto queda claro en el flashback de la conversación entre Gustav y Alfred (Mark Burns) sobre la naturaleza de la belleza y si la belleza «natural» es superior al arte.

La primera vez que Tadzio ve a Gustav, en el ascensor, le lanza una mirada coqueta. Inmediatamente después, Gustav recuerda una discusión con Alfred sobre la «moralidad» y la «mediocridad» en el arte convencional. Gustav queda cautivado por la belleza de Tadzio, pero también por su juventud y vitalidad. El final de la película, en el que Gustav muere mientras Tadzio lucha juguetonamente y entra al agua en la playa, yuxtapone el final de una vida con los «mejores años» de una. Muerte en Venecia Se trata menos de cómo Gustav quiere una relación con este chico y más de cómo desea poder vivir el tipo de vida hermosa y sin preocupaciones que lleva Tadzio..

3 Fight Club es acogido por las mismas personas a las que satiriza

La película expone la masculinidad tóxica y la anarquía inútil.

club de lucha Tanto la película como la novela de Chuck Palahniuk se adelantaron a su tiempo al capturar el temor y el malestar del capitalismo tardío. La película transmite bien su mensaje anticonsumista. Sin embargo, los personajes bifurcados de Tyler Durden de Brad Pitt y el protagonista anónimo de Edward Norton responden a la acusación de los Estados Unidos de finales del siglo XX de maneras equivocadas. Algunos espectadores abandonan esta película con el deseo de iniciar sus propios clubes de lucha y simplemente tomar lo que quieren, como los hombres duros de la película. club de lucha película. Sin embargo, la película en sí destaca claramente que estos hombres son, en el mejor de los casos, lamentables.

La película en sí trata sobre las conexiones humanas y el deber de las personas de cuidar a los demás. club de lucha es anticonsumista, con Norton como el tipo que tiene “todo” y Durden como el tipo que no tiene “nada”. Sin embargo, ninguno de ellos tiene la respuesta correcta. La idea de que alguien sólo es “libre de hacer cualquier cosa” después de “perderlo todo” todavía tiene que ver con la autocomplacencia y el derecho a tener derecho a algo. En lugar de celebrar el regreso a los roles de género tradicionales, club de luchaEl examen de la masculinidad tóxica muestra cómo dificulta la formación de las conexiones que las personas necesitan. La violencia por sí sola, ya sea en el club o a través del Proyecto Mayhem, no tiene sentido.

2 Starship Troopers es una película dentro de una película

El público no entendió el objetivo de este envío de propaganda en tiempos de guerra.

Muchas películas de guerra diseñadas para mostrar el horror de los conflictos armados terminan fracasando porque el público lo ve como una glorificación. Soldados de nave estelar fue criticado tras su lanzamiento por los críticos, que parecieron tomar la película al pie de la letra. El público y los críticos en ese momento no podían ver más allá de los entonces impresionantes efectos visuales, y muchos quedaron cautivados por el entusiasmo exagerado que tenían los soldados humanos al matar a los insectos supuestamente estúpidos y violentos. Sin embargo, lo que muchos en ese momento consideraron defectos de la película se incluyeron para reforzar la sátira de las películas de guerra propagandísticas, destinadas a generar simpatía por el enemigo y alentar a la gente a inscribirse para matarlo.

Ya sea a través de actuaciones intencionalmente exageradas o de la intensa violencia, Décadas después, el público todavía lo extraña Soldados de nave estelar pretende ser una advertencia a una cultura obsesionada con la guerra. Cerca del comienzo de la película, por ejemplo, el Sr. Razchak de Michael Ironside habla sobre el «fracaso de la democracia» y cómo el control militar y la violencia son lo único que mantiene el orden y la estabilidad. Los personajes hablan directamente a la cámara y muchos son asesinados inmediata y violentamente por los insectos. Al final de la película, al darse cuenta de que el enemigo no sólo es “inteligente” sino también “temeroso”, las masas reunidas aplauden.

1 El cuerpo de Jennifer es víctima del mal marketing

Aquellos que la consideraron una obra de terror lasciva demostraron el punto de la película.

Además de vender la película al público, el marketing establece las expectativas que los espectadores tienen sobre la película. El cuerpo de Jennifer No se hizo ningún favor con su marketing, que presentó la película como una película de terror sexy para adolescentes y adultos jóvenes que querían ver más de Megan Fox. Las fotos tomadas durante el rodaje de la infame “escena del lago” también circularon en línea y fueron mucho más reveladoras. la escena misma. Además, el guionista Diablo Cody enfrentó un escrutinio crítico negativo en ese momento, y muchos críticos se negaron a buscar un significado más profundo en la película. Por ejemplo, el gran Roger Ebert escribió en su reseña que El cuerpo de Jennifer era «Oscuridad para niños», fue un análisis dudoso en el mejor de los casos.

Sin embargo, en los últimos cinco años, el público y la crítica se han dado cuenta de que el discurso contemporáneo ha interpretado profundamente la película. Jennifer es un personaje trágico que no tiene autonomía sobre su propio cuerpo. El papel que juega la virginidad en la película, las múltiples alegorías de la agresión sexual y, más sutilmente, el incómodo subtexto entre Jennifer y el personaje de Amanda Seyfried llamado “Needy” es la razón por la que se ha convertido en un clásico en la era del streaming. Más que una película que celebre, o incluso satirice, la forma en que se utiliza el sexo en las películas de terror, es una crítica al mismo.. La violencia contra Jennifer va acompañada de risas y cantos. Los asesinatos de Jennifer tienden hacia el lado del horror del campo, lo que pretende hacer que la parte de fantasía de venganza sea más aceptable. ¿Alguien piensa El cuerpo de Jennifer Ya sea que sea efectivo o no, está claro que fue muy mal entendido en el lanzamiento.