El cine negro es un género cinematográfico clásico que ha servido de modelo para muchos thrillers policiales y películas de misterio modernos. Todo se7en a Prisioneros y Conducir Debe gran parte de su lenguaje estético y cinematográfico al género altamente estilizado de Hollywood, que típicamente pinta sus imágenes en llamativas fotografías en blanco y negro y pinta un panorama sombrío de una sociedad corrupta mientras explora conflictos morales a través de personajes atrapados en una corriente de agitación social.
Nacido de una mezcla de dramas criminales estadounidenses, realismo poético francés y cine expresionista alemán, el cine negro comenzó en 1940. Produjo algunas de las películas más fascinantes de Hollywood hasta finales de la década de 1950, cuando el Neo-Noir comenzó a reinterpretar y ampliar el original de la película. género. convenciones (y conducir a clásicos como corredor de cuchillas y Carretera Mulholland). Para esta lista, nos ceñiremos a las películas de mediados del siglo XX que se adhirieron a los ideales originales, creando algunas de las imágenes más atmosféricas y crudas jamás realizadas.
10 The Killers contaba con un pedigrí impresionante
Lanzado: 1946
Lo creas o no, Quentin Tarantino no inventó la película policial no lineal. Ni siquiera fue el primero en utilizar el concepto de asesinos y boxeadores. Ese honor pertenece a Robert Siodmak y su adaptación del aclamado cuento de Ernest Hemingway, Los asesinos. Después de que dos asesinos entran en una gasolinera de un pequeño pueblo y ejecutan a un ex boxeador profesional llamado «El Sueco» (Burt Lancaster), un investigador de seguros de vida reconstruye los acontecimientos que condujeron a un resultado tan brutal.
Tanto Robert Siodmak como Burt Lancaster fueron maestros del género del cine negro. Se unen a los futuros directores legendarios John Huston y Richard Brooks, quienes crearon el guión de Los asesinosconvirtiéndolo en una exploración fascinante de por qué un hombre podría negarse a defenderse ante la perspectiva de la muerte (especialmente cuando ese hombre es un boxeador retirado). Puede que la historia no llegue a lugares inesperados, pero la actuación es excelente y la tensión es intensa. Lo más importante es que ésta fue una de las pocas adaptaciones de su obra de las que Ernest Hemingway estaba legítimamente orgulloso.
9 La ciudad desnuda es lo que sucede cuando el cine negro se vuelve real
Lanzado: 1948
la ciudad desnuda es algo normal cuando se coloca en el contexto del resto de la filmografía del director Jules Dassin, pero eso no significa que la película en sí sea mediocre (después de todo, el hombre era un cronómetro). Los programas de televisión procedimentales que muchos de nosotros disfrutamos hoy en día (como Orden público) todo el mundo tiene una deuda de gratitud con esta innovadora película, que redujo a lo esencial la historia de una investigación sobre la muerte de una modelo y se rodó casi en su totalidad en locaciones de la ciudad de Nueva York.
A diferencia de muchas otras películas negras, la ciudad desnuda prioriza el realismo sobre el estilo, que se convierte en un arma de doble filo. Por un lado, la película no ha envejecido tan bien como otras de su género. Por otro lado, su compromiso con el realismo le da mucha presciencia a la historia de la película y la hace mucho más convincente emocionalmente.
8 Touch of Evil demostró que un maestro cineasta todavía tenía el toque
Lanzado: 1958
Con Toque del mal, El aclamado cineasta Orson Welles compuso un cine negro que aborda tres fronteras raramente exploradas en ese momento: la peligrosa frontera entre Estados Unidos y México, cómo un buen policía puede volverse desagradable y el tabú de la sexualidad interracial. Este último ciertamente recibe un golpe en estos días, dado que es un Charlton Heston muy reconocible (y caucásico) que interpreta a un fiscal especial mexicano, con Janet Leigh como su esposa estadounidense.
Metafóricamente (y cinematográficamente), Toque del mal es una película sobre el cruce, cuyo mejor ejemplo es su infame escena inicial capturada con una cámara, en la que rastreamos a una pareja que cruza la frontera, sólo para perder la vida cuando su coche explota. Por muy impresionante que sea esta escena aún hoy, es tan esencial para establecer el tono de inquietud que recorre toda la película como lo es el intento de Welles de demostrar que todavía es un maestro del medio. Toque del mal No fue la única película negra que dirigió Orson Wells, pero es la mejor.
7 Del pasado resultó ser solo eso
Lanzado: 1947
Para muchos aficionados al género del cine negro, la forma más sencilla de describir la película de Jacques Tourneur Fuera del pasado Se resumiría en una palabra: perfección. En muchos sentidos, esta película es el cine negro definitivo en su amplio examen de la traición y la seducción, complementado con algunos diálogos genuinamente ácidos. Todo esto es para decir que Fuera del pasado es tan oscuro y desagradable como lo hacen parecer sus numerosas texturas visuales (y emocionales).
Fuera del pasado La naturaleza austera comienza con las actuaciones de su increíblemente talentoso elenco, que incluye estrellas notables como Robert Mitchum, Kirk Douglas y Jane Greer. Todos tocaron notas perfectas, fluctuando entre momentos de crueldad y coqueteo. Salvaje, sexual y profundamente perturbador, Fuera del pasado es (irónicamente) el tipo de película que nunca se vuelve a hacer.
6 La fuerza bruta llevó la sensibilidad de Noir a la prisión.
Lanzado: 1947
Fuerza bruta es una pieza apasionante de la historia del cine, ya que incorpora dos géneros: una película de fuga de prisión y un cine negro. Protagonizada por Burt Lancaster y un quién es quién de los grandes actores de la década de 1940, esta película lanzó la carrera de Lancaster y está dirigida por el mismo hombre que dirigió una entrada anterior en esta lista, la ciudad desnudaJulio Dassin. Con una justicia de prisioneros violenta y una serie de guardias sádicos y sedientos de sangre que los vigilan, Fuerza bruta más que hace honor a su nombre.
A pesar de la brutalidad de la narrativa, Fuerza bruta Es una película hermosa. La composición es impecable e increíblemente dinámica, lo que nos lleva al medio de un motín en la prisión y nos hace sentir como si realmente estuviéramos allí. Por supuesto, al ser una película de cine negro, todo termina en tragedia, pero una vez terminada la película, nunca volverás a ver ninguna otra película de prisión de la misma manera.
5 El asesinato es temprano, lo que entusiasma a Kubrick
Lanzado: 1956
Antes de que Stanly Kubrick se convirtiera en el cineasta más aclamado de su generación (o de cualquier otra generación), comenzó su carrera haciendo películas policiales como el asesinato. Delgado, mezquino y con ritmo perfecto, el asesinato Desde entonces se ha perdido en la abarrotada filmografía de Kubrick, pero merece ser desenterrado por los fanáticos que buscan experimentar la vívida emoción de una aventura criminal de 80 minutos.
la premisa de el asesinato Sin duda es algo que has oído antes. Sterling Hayden interpreta a un criminal que planea un último atraco antes de retirarse para sentar cabeza con la mujer que ama, interpretada por Coleen Gray. Si esperas algún giro a partir de ahí, no los hay, pero ver cómo se desarrolla el crimen en una pista de carreras antigua es bastante emocionante. Donde realmente se revela esta película es en la gris moralidad de las buenas intenciones de sus personajes.
4 Night of the Hunter es el monstruo escondido debajo de la cama del género Noir
Lanzado: 1955
El cine negro y el terror son dos géneros que probablemente deberían combinarse muy bien, y si La noche del cazador Si hay alguna prueba, deberían haber cruzado mucho más a menudo. No viene al caso clasificar el debut como director del legendario actor Charles Laughton como uno u otro; la película es una hibridación de ambos. Lo más importante, La noche del cazador Es una obra maestra de todos los tiempos.
Si ya has visto La noche del cazador o no, sin duda habrás oído hablar de él. Más específicamente, viste una de las innumerables referencias a la cultura pop que produjo la película gracias a la imagen imborrable de los nudillos tatuados de Robert Mitchum que decían: amor y odio. El reverendo Harry Powell, interpretado por Mitchum, es uno de los villanos más legendarios y aterradores del cine, y su capacidad para distorsionar la realidad con la ayuda de algunas mentiras cubiertas de miel disfrazadas de verdades a medias es tan relevante hoy como siempre.
3 El tercer hombre se destaca por encima de otras entradas del cine negro
Lanzado: 1949
Con el telón de fondo de la Viena posterior a la Segunda Guerra Mundial, la obra de Carol Reed El tercer hombre Durante mucho tiempo ha sido considerada por muchos una obra maestra del género del cine negro. La película sigue a Holly Martins (interpretada por Joseph Cotten), una escritora estadounidense que se encuentra en medio de una red de misterio al investigar la misteriosa muerte de su amigo, Harry Lime (interpretado por Cotten). Ciudadano Kane coprotagonista y director Orson Welles).
Con una banda sonora icónica de sitar, una cinematografía impresionante, personajes moralmente dudosos y una de las revelaciones de personajes más memorables del cine, El tercer hombre tiene muchas ventajas y se ha ganado con razón el amor que le han brindado los críticos desde su lanzamiento. En particular, la voluntad de la película de explorar las sombrías realidades de los Estados Unidos de la posguerra ayudó a transformarla en un comentario profundo sobre la condición humana.
2 Sunset Boulevard siempre estuvo listo para su primer plano
Lanzado: 1950
Billy Wilder Avenida del atardecer sigue siendo una crítica increíblemente matizada de Los Ángeles (y Hollywood por poderes) que teje una historia cautivadora de fama, ilusión, desesperación y megalomanía sin dejar de ser hilarante y reveladora. Gloria Swanson interpreta a la olvidada actriz de cine mudo Norma Desmond, quien trágicamente cae en la locura después de darse cuenta de la facilidad con la que fue eliminada por el sistema al que le dio tanto de sí misma. William Holden coprotagoniza el papel de Joe Gillis, un guionista con mala suerte, que se ve atrapado en los delirios de Gloria.
Como ocurre con todas sus otras películas, la dirección de Billy Wilder es aguda y su guión es perfecto, analizando las ilusiones de fama con las que Wilder estaba tan familiarizado. bulevar del atardecer El legado del cine estadounidense como piedra de toque cultural es tan indiscutible hoy como siempre, y esta visión cruda y duradera de la Edad de Oro de Hollywood sigue siendo una crítica indeleble que vale la pena ver una y otra vez.
1 Double Indemnity creó y ejemplificó el cine negro
Lanzado: 1944
¿Qué tal un doble partido de Billy Wilder para completar la lista? Tan bueno como Avenida del atardecer lo es (y es muy bueno), Doble indemnización es aún mejor, se desarrolla con la precisión de un juego de ajedrez bien pensado, en el que el vendedor de seguros de Fred MacMurray, Walter Neff, se ve envuelto en un plan mortal junto a la mujer fatal más inolvidable del género negro, Phyllis Dietrichson, de Barbara Stanwyck . . Doble indemnización es una clase magistral sobre cómo alternar entre el suspenso y el diálogo agudo escrita por Wilder y su coguionista, el novelista negro Raymond Chandler.
Bajo la atenta mirada de Wilder, Doble indemnización está impregnado de una sensación palpable de tensión que atrae al espectador hacia su apasionante asesinato central, que explora los aspectos increíblemente oscuros de la naturaleza humana. Cameron Crowe la calificó como una «película impecable». Woody Allen cree que es la mejor película jamás realizada. Puede que tu amor por esta película no llegue tan alto, pero es casi imposible no considerarla. Doble indemnización Ser el mejor cine negro de todos los tiempos. Aún más impresionante es que, al haber sido producida en 1944, prácticamente inventó el género. Es por eso Doble indemnización Siempre será sinónimo de cine negro.